Pocos artistas norteamericanos llevaron la pintura a una expresión tan hermosamente dramática como lo hizo Mark Rothko (1903-1970). A pesar de su aparente fascinación estética por el color y la abstracción, lo que le importaba era hacer patente en sus cuadros la vida, tanto del ser humano como del Arte. Lo que para otros pintores abstractos del siglo XX fue una exploración de los límites del Arte no figurativo, para Rothko se convirtió en una obsesión por expresar, a través de la pintura, la experiencia humana en un lenguaje puramente emocional y espiritual. Rothko fue, como algunos de sus compañeros pertenecientes al expresionismo abstracto de la Escuela de Nueva York, un músico del color: compuso una gran sinfonía con pinceles, lienzos y papeles.

Gran amante de la filosofía de Nietzsche, de la música, de la poesía y de todo tipo de espiritualidad, su obra clásica custodia, pero no ilustra, estas coordenadas de su biografía intelectual. No obstante, se negó rotundamente a explicar cualquier significado de sus cuadros y tuvo una particular aversión a los críticos y a los historiadores del Arte: “Odio y desconfío de todos los historiadores del Arte, de los expertos y de los críticos. Son un montón de parásitos que se alimentan del cuerpo del Arte. Su trabajo no es sólo inútil, sino que es desorientador”. Pero el mismo Rothko actuaría como un crítico y un especialista cuando, en los años sesenta, el Arte pop norteamericano empezó a cobrar fuerza en detrimento del expresionismo abstracto; de los artistas pop, diría que eran unos “charlatanes” y unos “jóvenes oportunistas”.

El Museo Guggenheim Bilbao reúne ahora en una exposición la obra de un artista ritualista y místico. Con motivo de la muestra, Dionisio Cañas reflexiona sobre la naturaleza y la importancia de la obra de uno de los grandes artistas del pasado siglo.